Quando surgiu para o grande público em 2011, o rapper Criolo já somava alguns anos de carreira. Em 2006, ele chegou a lançar um disco solo, 'Ainda Há Tempo', quando ainda se auto-intitulava Criolo Doido, porém sem muita repercussão. Pensava inclusive em desistir da vida no rap para se dedicar a outros planos. Mas eis que num último mas decisivo ato conheceu e se associou ao produtor musical Daniel Ganjaman. Pronto: a carreira que antes se acreditava falida ressurgiu tão renovada e promissora que ninguém, nem o próprio Criolo, poderia imaginar ser possível. Citar o nome de Daniel Ganjaman (com serviços prestados a Planet Hemp, Racionais MC's, Sabotage & Nação Zumbi, entre outros) não é mero detalhe na trajetória do rapper. Muito se falou, elogiou e rendeu loas, ao trabalho de Criolo em 'Nó na Orelha', disco lançado em 2011, e que galgou os tops de lista de melhores do ano, tanto da critica musical quanto do público. Basta lembrar que seu nome foi um dos mais citados entre os premiados no VMB2012, onde também foi uma das atrações musicais apresentando a (bela) canção 'Não Existe Amor Em SP,' ao lado do Caetano Veloso.
'Nó na Orelha' não deixa de ser um albúm interessante, e muito de suas qualidades se deve a espertíssima produção musical, que agrega uma fusão de gêneros a vocação sisuda do rap, tornando-o mais maleável e envolvente. Quanto as composições de Criolo não sou do grupo dos entusiastas. Consigo ver uma ou duas boas canções, a citada 'Não Existe Amor e SP’, por exemplo, é um soul melancólico pungente e que tem força para integrar o cancioneiro que 'homenageia' a cidade paulista (como 'Trem das Onze' & 'Sampa'). No mais, acho que seu repertório chove no molhado, apresenta demasiada firula nas rimas (embora contenha também certa musicalidade) mas acrescenta pouco ao discurso. Contra o rapper pesa ainda sua pretensão em investir numa faceta ‘interprete', talento que decididamente não possui. O resultado de suas 'intervenções' vocais, em faixas como ‘Freguês Da Meia Noite’, é digamos equivocado (no mínimo). Não é um exagero considerar que, num primeiro momento, o sucesso usufruído pelo rapper se deveu mais ao trabalho do produtor Daniel Ganjaman que seu talento para composição (ou carisma).
Passado todo burburinho da estréia, em 2013 Criolo lançou o single 'Duas De Cinco' que além da música título trazia no Lado B a faixa 'Cóccix-Ência'. E foi sem muito alarde, mas desta vez de forma indiscutível, que o rapper mostrou uma evolução musical. É evidente não ser possível medir como essas duas canções trabalhariam à favor de um repertório maior (dentro do conceito de um disco) mas encaradas como uma espécie de rap de um nota só, frente e verso desse curto freaseado musical complementa-se de forma impecável. Criolo insiste em certos erros, utilizando uma dialética confusa para soar descolado (ou mesmo pop) mas os acertos (quando acontecem) compensam enormemente os eventuais deslizes.
'Cóccix-Ência' se destaca mais pela sonoridade encorpada, urdida com instrumentos de percussão e cordas, além de um valioso solo de guitarra (à cargo de Guilherme Held). Se a crítica feita na letra àqueles que vivem de falsas aparências e vaidade excessiva não trás maiores novidades ao menos inseri no relato (bom) humor gaiato - 'Pavão que não tem rabo paga pau pra espanador' – e irônico (‘O zumbi que ri/ Tá na tua sala te esperando pra janta/ E você é a janta/ Dormiu com medo/ E acordou com o destino').
Em 'Duas de Cinco' a situação se inverte e a musicalidade - que harmoniza discretamente cordas, baixo e arranjos de sopro - abre espaço para um discurso incisivo e assertivo. A produção utiliza o sample de 'Califórnia azul', canção do estupendo primeiro disco do sambista Rodrigo Campos (São Mateus Não É Um Lugar Assim Tão Longe) para frasear a composição ('Compro uma pistola do vapor/ Visto o jaco Califórnia azul/ Faço uma mandinga pro terror/ E vou...'). Criolo cita o poeta Carlos Drummond de Andrade com inteligência numa das passagens ('Que no meio do caminho/ Da educação havia uma pedra/ E havia uma pedra/ No meio do caminho/ Ele não é preto velho/ Mas no bolso leva um cachimbo') e faz uma pertinente crítica a política de combate as drogas ('Um governo que quer acabar com o crack/ Mas não tem moral para vetar/ Comercial de cerveja'). Esta foi uma das grandes musicas do ano passado e que ninguém ouviu! Isso até momento pois o rapper acaba de lançar um videoclipe mixando as duas canções.
Dirigido por Denis Cisma, o vídeo de quase dez minutos foi gravado no Grajaú, bairro de São Paulo, e imagina o cotidiano da comunidade no ano de 2044, em que tecnologias como drones (pequenos veículos aéreos não tripulados), impressão 3D de armas, hologramas e reconhecimento facial fazem parte da rotina. No cenário de ficção-científica imaginado pelos realizadores tudo ainda é parecido a um ambiente underground dos dias de hoje (provavelmente pela limitação do orçamento), todavia antes que categorize como um defeito, o arranjo termina reforçando a analogia de um futuro dolorosamente semelhante ao nosso presente. Afinal, na favela futurística, jovens ainda deixarão a sala de aula seduzidos pelo caminho mais curto da violência e do tráfico de drogas. Cisma vem do mercado publicitário e possui um evidente domínio narrativo. Constrõe um ótimo curta-metragem cheio de energia e forte carga dramática, e principalmente não idealiza ou atenua os conflitos da realidade que encena. Sua visão do futuro é, aliás, bem pessimista. Um condição que o próprio Criolo compartilhou quanto a sua carreira. Mas que agora - e esse trabalho não deixa dúvidas - pode ter o destino (na música) encarado com maior otimismo. Que o nosso futuro possa, também, ter alguma redenção.
quinta-feira, 20 de março de 2014
quarta-feira, 12 de março de 2014
Tão Pobre Que Tinha Apenas Dinheiro
A média com que Woody Alen continua lançando filmes é algo notável. Enquanto seus contemporâneos de geração hoje mal conseguem esboçar novos projetos, o americano prossegue tão prolixo quanto nos primeiros anos de carreira. Desde a sua estréia, com o longa "O que é que Há, Gatinha?", em 1965, o cineasta mantém a marca de um filme por ano (quando não dois!). Com uma produtividade tão numerosa é inevitável, todavia, que seus projetos oscilem de nível quanto a excelência ou originalidade. Não é díficil por exemplo vê-lo repetir estruturas de filmes ou mesmo incorrendo em trabalhos decididamente equivocados.
Ainda que os defensores digam que um obra ruim de Woody Allen seja melhor que a média (produzida no cinema americano) este se tornou um argumento questionável quando o autor alcançou seu nível mais alarmante em desgaste artístico, em meados dos anos 2000. Foi uma medida providencial, portanto, o artista ter trocado o cenário da maioria dos seus filmes, a cidade de Nova York, para filmar em outras locações pela Europa. Com a mudança de ares foi possível notar uma renovação surpreendente do gênio criativo de Allen, que apartir de 2005 entrou numa de suas melhores fases, em trabalhos como "Ponto Final - Match Point" (2005), "O Sonho de Cassandra" (2007), "Vicky Cristina Barcelona" (2008) e o maravilhoso "Meia Noite em Paris" (2011). Seu mais recente trabalho, "Blue Jasmine" (2013), é dos títulos que reforçam a boa forma criativa do quase octogenário Woody Allen.
"Blue Jasmine" nos apresenta a personagem-título, que, voando na primeira classe, insiste em contar sua história para a passageira do lado, uma velhinha que parece uma conhecida mas que, na verdade, não reconhece (e nem quer reconhecer) afinidades com a chorosa protagonista. Acostumada à vida de luxo oferecida por seu marido, Jasmine agora se encontra na miséria desde que o sujeito foi preso por fraude, o que a obriga a se mudar para a Califórnia a fim de morar com a irmã, Ginger. Alternando a narrativa entre o presente, que traz a protagonista buscando se adaptar ao cotidiano de trabalhadora, e o passado, que revela as circunstâncias que a levaram até ali, "Blue Jasmine" segue uma corrente bem contemporânea do cinema, ao ambientar personagens em meio aos desvãos da (grave) crise econômica que a Europa e os EUA enfrentam. Além do filme de Woody Allen, um certo "Lobo de Wall Street" (2013) causou furor com sua abordagem explosiva de um sujeito que se aproveitou da boa-fé de investidores para aplicar-lhes um baita golpe e que os deixou a beira da falência. Tanto o longa dirigido por Martin Scorsese, quanto "Blue Jasmine" são inspiradas em personagens veridicos que induziram o mercado financeiro - americano, em questão - a uma crise que têm sido comparada a Grande Depressão de 1929!
As questões propostas em "Blue Jasmine" o assemelha a quase um conto moral: afinal, seria Jasmine uma vítima? Ou a arquiteta de seu próprio destino? Devemos enfim nos importar com o quanto está abalada? A protagonista jura não saber das traições do marido e suas falcatruas (talvez, melhor palavra aqui seria 'negar a ver') porém, de certo modo, o expectador jamais dúvida dela. Enquanto pudesse continuar comprando roupas caras e jóias, e participando de festas e viagens pelo mundo tudo estaria bem (pra que saber da verdade, não é mesmo?). Pois é nesse tipo de ingenuidade alienada que Allen enquadra a Jasmine do filme e, sinceramente, não se preocupa em oferecer-lhe a menor solidariedade. Pois esse é o primeiro acerto do roteiro. Frívola, esnobe, emocionalmente suscetível e descontrola - o diretor oferece um retrato elegante porém antipático de sua protagonista, e mantém essas características até o final, sem atenuações, ou desvios de rotas além da queda livre rumo ao fundo do poço.
O segundo e mais delicado acerto é suscitar graça no infortúnio dramático mas sem jamais confundir o enredo com uma comédia. Allen força o drama em muitas cenas e de tão exagerado o recurso se torna naturalmente divertido. As crises de pânico da personagem, sua fleuma arrogante em querer provar que continua elegante quando não passa de uma decadente, os momentos em que ela conversa sozinha evidenciando uma mulher que ultrapassou o limite da sanidade a muito tempo - as risadas provocadas por essas situações são pontuais porém o que predomina, na maior parte do longa, é um olhar de impiedosa melancolia e desconfortável humor negro.
Com uma estrutura dramatúrgica notável, Woody Allen, também autor do roteiro, consegue ainda espelhar na sua narrativa elementos da clássica peça de Tennessee Williams, "Um Bonde Chamado Desejo", onde muito da destemperança de sua Jasmine reflete da iludida e perdida personagem da peça, Blanche Dubois. Nesse sentido, a atuação da australiana Cate Blanchett, no limiar da precisão técnica e afetação teatral, é melhor contextualizada quando vista como um espécie de 'homenagem' ao estilo de interpretação (também, altamente teatral) da atriz Vivien Leight, na melhor adaptação cinematográfica da peça, dirigida pelo mestre Elia Kazan (em 1951). À favor de Blanchett, conta ainda o fato de toda transformação vívida pela sua personagem ser encarada sem maquiagem ou grandes transformações físicas (a servi-lhe de muleta): aqui, é apenas a atriz e seu rosto limpo a expor a jornada emocional de sua Jasmine.
No fim, nem o fato do diretor recorrer a um de seus cacoetes (o inevitável personagem nervoso e neurótico, como um decalque homônimo do próprio Woody Allen) se torna um defeito. Muito porque, não importa quantos ansiolíticos sua protagonista tome para se acalmar - nenhum comprimido fará desaparecer a ameaça contínua de (um novo) colapso nervoso e a sensação que sua derrocada ao fundo do poço não chegou nem na metade. Diferente do jasmim (a planta) que floresce a noite, ganhando vida depois que escurece, Jasmine (a mulher) não saberá transformar sua desgraça ou reconhecer outros tons além dos azuis melancólicos na sua condição de pobreza. Na conclusão que se chega desta estória, Woody Allen acertou em cheio em não enxergar apenas drama numa estória, à rigor, impregnada de elementos da divina comédia humana, para expor sua protagonista, pois, muito dos infortúnios e tragédias dela se equivalem na mesma moeda do seu revés patético. É portanto uma pobreza bem menos material e muito mais advinda do vazio da alma. É como dizem - têm pessoas que são tão pobres que possuem apenas dinheiro. No caso de Jasmine, restou mesmo apenas o vazio.
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Ainda que os defensores digam que um obra ruim de Woody Allen seja melhor que a média (produzida no cinema americano) este se tornou um argumento questionável quando o autor alcançou seu nível mais alarmante em desgaste artístico, em meados dos anos 2000. Foi uma medida providencial, portanto, o artista ter trocado o cenário da maioria dos seus filmes, a cidade de Nova York, para filmar em outras locações pela Europa. Com a mudança de ares foi possível notar uma renovação surpreendente do gênio criativo de Allen, que apartir de 2005 entrou numa de suas melhores fases, em trabalhos como "Ponto Final - Match Point" (2005), "O Sonho de Cassandra" (2007), "Vicky Cristina Barcelona" (2008) e o maravilhoso "Meia Noite em Paris" (2011). Seu mais recente trabalho, "Blue Jasmine" (2013), é dos títulos que reforçam a boa forma criativa do quase octogenário Woody Allen.
"Blue Jasmine" nos apresenta a personagem-título, que, voando na primeira classe, insiste em contar sua história para a passageira do lado, uma velhinha que parece uma conhecida mas que, na verdade, não reconhece (e nem quer reconhecer) afinidades com a chorosa protagonista. Acostumada à vida de luxo oferecida por seu marido, Jasmine agora se encontra na miséria desde que o sujeito foi preso por fraude, o que a obriga a se mudar para a Califórnia a fim de morar com a irmã, Ginger. Alternando a narrativa entre o presente, que traz a protagonista buscando se adaptar ao cotidiano de trabalhadora, e o passado, que revela as circunstâncias que a levaram até ali, "Blue Jasmine" segue uma corrente bem contemporânea do cinema, ao ambientar personagens em meio aos desvãos da (grave) crise econômica que a Europa e os EUA enfrentam. Além do filme de Woody Allen, um certo "Lobo de Wall Street" (2013) causou furor com sua abordagem explosiva de um sujeito que se aproveitou da boa-fé de investidores para aplicar-lhes um baita golpe e que os deixou a beira da falência. Tanto o longa dirigido por Martin Scorsese, quanto "Blue Jasmine" são inspiradas em personagens veridicos que induziram o mercado financeiro - americano, em questão - a uma crise que têm sido comparada a Grande Depressão de 1929!
As questões propostas em "Blue Jasmine" o assemelha a quase um conto moral: afinal, seria Jasmine uma vítima? Ou a arquiteta de seu próprio destino? Devemos enfim nos importar com o quanto está abalada? A protagonista jura não saber das traições do marido e suas falcatruas (talvez, melhor palavra aqui seria 'negar a ver') porém, de certo modo, o expectador jamais dúvida dela. Enquanto pudesse continuar comprando roupas caras e jóias, e participando de festas e viagens pelo mundo tudo estaria bem (pra que saber da verdade, não é mesmo?). Pois é nesse tipo de ingenuidade alienada que Allen enquadra a Jasmine do filme e, sinceramente, não se preocupa em oferecer-lhe a menor solidariedade. Pois esse é o primeiro acerto do roteiro. Frívola, esnobe, emocionalmente suscetível e descontrola - o diretor oferece um retrato elegante porém antipático de sua protagonista, e mantém essas características até o final, sem atenuações, ou desvios de rotas além da queda livre rumo ao fundo do poço.
O segundo e mais delicado acerto é suscitar graça no infortúnio dramático mas sem jamais confundir o enredo com uma comédia. Allen força o drama em muitas cenas e de tão exagerado o recurso se torna naturalmente divertido. As crises de pânico da personagem, sua fleuma arrogante em querer provar que continua elegante quando não passa de uma decadente, os momentos em que ela conversa sozinha evidenciando uma mulher que ultrapassou o limite da sanidade a muito tempo - as risadas provocadas por essas situações são pontuais porém o que predomina, na maior parte do longa, é um olhar de impiedosa melancolia e desconfortável humor negro.
Com uma estrutura dramatúrgica notável, Woody Allen, também autor do roteiro, consegue ainda espelhar na sua narrativa elementos da clássica peça de Tennessee Williams, "Um Bonde Chamado Desejo", onde muito da destemperança de sua Jasmine reflete da iludida e perdida personagem da peça, Blanche Dubois. Nesse sentido, a atuação da australiana Cate Blanchett, no limiar da precisão técnica e afetação teatral, é melhor contextualizada quando vista como um espécie de 'homenagem' ao estilo de interpretação (também, altamente teatral) da atriz Vivien Leight, na melhor adaptação cinematográfica da peça, dirigida pelo mestre Elia Kazan (em 1951). À favor de Blanchett, conta ainda o fato de toda transformação vívida pela sua personagem ser encarada sem maquiagem ou grandes transformações físicas (a servi-lhe de muleta): aqui, é apenas a atriz e seu rosto limpo a expor a jornada emocional de sua Jasmine.
No fim, nem o fato do diretor recorrer a um de seus cacoetes (o inevitável personagem nervoso e neurótico, como um decalque homônimo do próprio Woody Allen) se torna um defeito. Muito porque, não importa quantos ansiolíticos sua protagonista tome para se acalmar - nenhum comprimido fará desaparecer a ameaça contínua de (um novo) colapso nervoso e a sensação que sua derrocada ao fundo do poço não chegou nem na metade. Diferente do jasmim (a planta) que floresce a noite, ganhando vida depois que escurece, Jasmine (a mulher) não saberá transformar sua desgraça ou reconhecer outros tons além dos azuis melancólicos na sua condição de pobreza. Na conclusão que se chega desta estória, Woody Allen acertou em cheio em não enxergar apenas drama numa estória, à rigor, impregnada de elementos da divina comédia humana, para expor sua protagonista, pois, muito dos infortúnios e tragédias dela se equivalem na mesma moeda do seu revés patético. É portanto uma pobreza bem menos material e muito mais advinda do vazio da alma. É como dizem - têm pessoas que são tão pobres que possuem apenas dinheiro. No caso de Jasmine, restou mesmo apenas o vazio.
quinta-feira, 6 de março de 2014
And The Oscar Goes To.. The Great Fun!
É fato: quem considera o Oscar o maior prêmio do cinema pouco entende da sétima arte. Por ser uma premiação industrial e que valoriza a produção criada em território estaduniense, não é nenhum segredo que os filmes ali lembrados (entre vencedores e indicados) privilegiaram no geral obras em língua inglesa, abordando em grande parte o estilo de vida norte-americana e cuja inclusão se justifica através de alguns milhões na bilheteria (contabilizado ou com sérias possibilidades disso acontecer). Sejamos francos, estamos falando de um investimento. Ter talento ou realizar um bom trabalho é (muito) relativo quando se trata de ganhar uma estatueta. Campanhas publicitárias, lobby dos estúdios, a capacidade de uma obra ou artista (estrela, no jargão cinéfilo) em render dinheiro é levado bem mais em consideração do que o mérito da qualidade. Se visto unicamente pelo prisma do critério qualitativo, a decepção com o prêmio então é maior ainda, já que a lista de injustiças cometidas ao longo de oito décadas é grande, e muitas vezes alarmante.
Como preterir, por exemplo, atuações notadamente superiores como de Bete Davis (por 'A Malvada') & principalmente Gloria Swanson (pelo estupendo desempenho em 'Crepúsculo dos Deuses') em favor da fraquissíma Judy Holliday (por 'Nascida Ontem'), em 1950? Caso parecido ao de Julia Roberts, atriz mais rentável de Hollywood em meados de 2001, e premiada pelo correto desempenho em 'Erin Brockovich - Uma Mulher de Talento', porém explicitamente inferior quando comparado a devastadora atuação de Ellen Burstyn em 'Réquiem para um Sonho'. E os filmes? Como defender uma obra de tateante minimalismo dramático, caso do longa 'Gente como a Gente', diante da ousadia proposta no vertiginoso 'Touro Indomável' (que busca através de uma narrativa febril e deliberada as razões do sucesso e derrocada do boxeador Jake LaMotta) e, ainda assim, ser derrotado em 1980? Ou ainda a escandalosa vitória do insípido 'O Discurso do Rei', em 2011, diante de verdadeiros clássicos modernos como 'A Rede Social' ou 'Cisne Negro'. É curioso que sejam os perdedores muitas vezes, a entrar para História e, não raro, representarem a época em que foram lançados, melhor do que os vencedores. Certamente será este o caso dos longas dirigidos por David Fincher e Darren Aronofsky. Isso sem falar nas esnobadas a mestres como Alfred Hitchcock, Charles Chaplin e Orson Welles, autores que viram suas obras esquecidas na premiação. Perder no Oscar, portanto, está longe de ser uma vergonha - na verdade, quem perde o prestigio e têm a importância subvalorizada é a própria Academia Cinematográfica Hollywoodiana, que se equilibra de maneira esquizofrênica entre incentivar quem pode render mais dinheiro ou reconhecer o valor artístico de uma obra.
Neste ano, as publicações especializadas na área foram unânimes em dizer que a qualidade das produções indicadas estava acima da média. Particularmente, não notei nada assim tão superior e que alterasse a rota de anos anteriores. Ok, "Gravidade" & "Ela" eram títulos diferenciados mas significavam o mesmo pingo d'água no oceano de mesmices compiladas toda vez entre os indicados. A bem da verdade, nem vêm ao caso apontar quem era o melhor, quem merecia, quem era 'bom' - cada um que faça seu próprio juízo, certo? Para certa parcela do público, uma festa tão sisuda como o Oscar - ocorrido no último domingo (02/03) - só consegue despertar algum entusiasmo ao ter quebrado o protocolo formal (e previsível) da cerimônia. Afinal, que está premiação siga o padrão ouro de monotonia isso não é novidade, porém ter a imagem surreal de uma Meryl Streep (a maior atriz da atualidade, no cinema americano) comendo um pedaço de pizza na platéia, como diria aquela propaganda de cartão de crédito, não tem preço (mesmo)! É a mesma impressão que se tem ao vislumbrar a divertida 'briga' no backstage entre Jennifer Lawrence e Lupita Nyong'o pelo prêmio de melhor coadjuvante. Para os expectadores que acompanhavam a cobertura do prêmio pelo canal a cabo TNT, ainda houve um bônus adicional quando o jornalista Rubens Ewald Filho cometeu uma gafe (daquelas) ao chamar a atriz Shirley Temple de "lenda viva" quando a mesma era homenageada entre os artistas mortos do último ano! Mais tarde, contudo, Ewald Filho se redimiu ao exaltar a inusitada (porém justíssima) lembrança do documentarista Eduardo Coutinho, morto em Fevereiro passado, no tradicional clipe de "In Memorian". Seria maldade incluir nessa sessão 'vergonha alheia', também a participação da atriz Kim Novak, de 81 anos, que foi entregar o Oscar de melhor animação ao filme "Frozen: Uma aventura Congelante" mas estava com a aparência igualmente “congelada” por plásticas e intervenções cirúrgicas? Ou o esforço vão da baixinha Lisa Mineli tentando participar de uma foto onde só havia gente alta?
Bem, talvez o momento que melhor represente a descontração (atípica) que rolou durante a festa seja mesmo do “selfie” histórico da apresentadora Ellen Degeneres e repleto de estrelas, cuja foto gerou pane no Twitter, em suas mais de 1,2 milhão replicações. E em pouco mais de uma hora! O melhor filme, diretor, ator, atriz, roteiro - quem se importa. Nenhuma obra precisa de um Oscar para ter sua importância, enfim, legitimida ou ainda condicionar o que deve ser privilegiado (este poder pertence ao público que, individualmente, pode atribuir melhor veredicto a quem julgar merecedor). Em contrapartida, assistir grandes artistas enfrentando a própria 'derrota' e, ainda assim, se divertindo à beça tem um valor que, convenhamos, prêmio nenhum pode dar conta.
Como preterir, por exemplo, atuações notadamente superiores como de Bete Davis (por 'A Malvada') & principalmente Gloria Swanson (pelo estupendo desempenho em 'Crepúsculo dos Deuses') em favor da fraquissíma Judy Holliday (por 'Nascida Ontem'), em 1950? Caso parecido ao de Julia Roberts, atriz mais rentável de Hollywood em meados de 2001, e premiada pelo correto desempenho em 'Erin Brockovich - Uma Mulher de Talento', porém explicitamente inferior quando comparado a devastadora atuação de Ellen Burstyn em 'Réquiem para um Sonho'. E os filmes? Como defender uma obra de tateante minimalismo dramático, caso do longa 'Gente como a Gente', diante da ousadia proposta no vertiginoso 'Touro Indomável' (que busca através de uma narrativa febril e deliberada as razões do sucesso e derrocada do boxeador Jake LaMotta) e, ainda assim, ser derrotado em 1980? Ou ainda a escandalosa vitória do insípido 'O Discurso do Rei', em 2011, diante de verdadeiros clássicos modernos como 'A Rede Social' ou 'Cisne Negro'. É curioso que sejam os perdedores muitas vezes, a entrar para História e, não raro, representarem a época em que foram lançados, melhor do que os vencedores. Certamente será este o caso dos longas dirigidos por David Fincher e Darren Aronofsky. Isso sem falar nas esnobadas a mestres como Alfred Hitchcock, Charles Chaplin e Orson Welles, autores que viram suas obras esquecidas na premiação. Perder no Oscar, portanto, está longe de ser uma vergonha - na verdade, quem perde o prestigio e têm a importância subvalorizada é a própria Academia Cinematográfica Hollywoodiana, que se equilibra de maneira esquizofrênica entre incentivar quem pode render mais dinheiro ou reconhecer o valor artístico de uma obra.
Neste ano, as publicações especializadas na área foram unânimes em dizer que a qualidade das produções indicadas estava acima da média. Particularmente, não notei nada assim tão superior e que alterasse a rota de anos anteriores. Ok, "Gravidade" & "Ela" eram títulos diferenciados mas significavam o mesmo pingo d'água no oceano de mesmices compiladas toda vez entre os indicados. A bem da verdade, nem vêm ao caso apontar quem era o melhor, quem merecia, quem era 'bom' - cada um que faça seu próprio juízo, certo? Para certa parcela do público, uma festa tão sisuda como o Oscar - ocorrido no último domingo (02/03) - só consegue despertar algum entusiasmo ao ter quebrado o protocolo formal (e previsível) da cerimônia. Afinal, que está premiação siga o padrão ouro de monotonia isso não é novidade, porém ter a imagem surreal de uma Meryl Streep (a maior atriz da atualidade, no cinema americano) comendo um pedaço de pizza na platéia, como diria aquela propaganda de cartão de crédito, não tem preço (mesmo)! É a mesma impressão que se tem ao vislumbrar a divertida 'briga' no backstage entre Jennifer Lawrence e Lupita Nyong'o pelo prêmio de melhor coadjuvante. Para os expectadores que acompanhavam a cobertura do prêmio pelo canal a cabo TNT, ainda houve um bônus adicional quando o jornalista Rubens Ewald Filho cometeu uma gafe (daquelas) ao chamar a atriz Shirley Temple de "lenda viva" quando a mesma era homenageada entre os artistas mortos do último ano! Mais tarde, contudo, Ewald Filho se redimiu ao exaltar a inusitada (porém justíssima) lembrança do documentarista Eduardo Coutinho, morto em Fevereiro passado, no tradicional clipe de "In Memorian". Seria maldade incluir nessa sessão 'vergonha alheia', também a participação da atriz Kim Novak, de 81 anos, que foi entregar o Oscar de melhor animação ao filme "Frozen: Uma aventura Congelante" mas estava com a aparência igualmente “congelada” por plásticas e intervenções cirúrgicas? Ou o esforço vão da baixinha Lisa Mineli tentando participar de uma foto onde só havia gente alta?
Bem, talvez o momento que melhor represente a descontração (atípica) que rolou durante a festa seja mesmo do “selfie” histórico da apresentadora Ellen Degeneres e repleto de estrelas, cuja foto gerou pane no Twitter, em suas mais de 1,2 milhão replicações. E em pouco mais de uma hora! O melhor filme, diretor, ator, atriz, roteiro - quem se importa. Nenhuma obra precisa de um Oscar para ter sua importância, enfim, legitimida ou ainda condicionar o que deve ser privilegiado (este poder pertence ao público que, individualmente, pode atribuir melhor veredicto a quem julgar merecedor). Em contrapartida, assistir grandes artistas enfrentando a própria 'derrota' e, ainda assim, se divertindo à beça tem um valor que, convenhamos, prêmio nenhum pode dar conta.
segunda-feira, 10 de fevereiro de 2014
A Separação Assistida
A convivência entre as pessoas nem sempre é fácil. Se o começo de uma relação é período pleno de empolgação e descobertas o estreitamento da intimidade pode mostrar (e não sem surpresas) que o entrosamento que se acreditava não passava de mero afã curioso, revelando além de desconforto talvez a mais completa (e contraditória) falta de afinidade. Desenvolvidas no ambiente supostamente melhor favorecido, as conexões na arte quando desandam tendem criar cegueiras possivelmente mais intensas (pelas luzes dos holofotes) e ressoar mais forte (e além de seu meio) pelo barulho criado pela platéia, o burburinho da imprensa e - não raro - a incorporação dos conflitos pelos próprios artistas ao espetáculo.
Tomemos o exemplo da dupla nova-iorquina Cults, formada pelo casal Brian Oblivion e Madeline Follin. Quando lançaram seu auto-intitulado debut (em 2011), um trabalho assim-assim e que apenas oferecia o mais do mesmo produzido no cenário indie, algumas publicações musicais enxergaram algo de novo em sua estréia, e alçaram a dupla no calendário volátil e frenético do hyppe musical. Na verdade, esta é uma atitude típica de uma imprensa muitas vezes afeita a novidade pela novidade, sem que os escolhidos em questão apresentem algo efetivamente novo. E Não raro, esta opção do elogio pelo elogio tende mais a prejudicar do que favorecer os artistas, sobretudo pelas expectativas geradas em torno dos próximos trabalhos. Com a preocupação e insegurança natural ao processo criativo e a necessidade agora de apresentar um trabalho que fizesse juz ao status excessivo, a amizade dos integrantes do Cults foi enfim testada e nessas condições adversas a união completamente rachada.
Idealmente, esperava-se que os desentendimentos viessem acirrar também a criatividade do casal. Algo similar ao ocorrido com os rappers do Outkast, por exemplo, que espreitados num período de briga braba, gestaram o consagrador "Speakerboxxx/ The Love Below" (2003) - sintomaticamente, um albúm duplo e realizado em separado. Para o Cults, contudo, a nova centelha não aconteceu e o trabalho seguinte, 'Static' (2013), apenas confirmou a irregularidade dos bastidores num repertório em que se percebe apenas duas pessoas tocando juntas mas sem muita empolgação. A falta de diálogo pode ter contribuido na criação de canções que seguem - novamente - a mesmíssima produção eletro-rock acomodada ao padrão comum (com o agravante que agora a música não eram mais uma novidade). "Static" é, aliás, um título coerente com o trabalho, além de remeter a condição de discódia compartilhado pelos artistas no período.
Como os problemas nos bastidores nem sempre se mostram evidentes nas faixas, é preciso buscar referências além das canções para tentar compreendê-las. Daí o videoclipe do single "High Road" (a melhor música do duo) reluzir como uma fagulha depois de tanto fogo-fátuo. O video usa da mesma técnica utilizada no clipe de "Seven Nation Army" do The White Stripes - onde uma sucessão contínua de imagens mergulha o expectador num caleidoscópico túnel - porém se apropria do artifício de maneira particular. Afinal, os fragmentos de cenas adentrando umas sob as outras, e em camadas cada vez mais escuras, podem servir também de metáfora à busca infinita de duas pessoas pelas razões de tantos desentendimentos - terminando exaustas, sem respostas e com a amizade que tinham perdida para sempre. Todavia, se há uma leitura que não precisa de simbolismos é a certeza de que todos estão suscetíveis a essa realidade. Celébre ou anônimo, ninguém está isento de viver certos espetáculos decadentes na vida.
Tomemos o exemplo da dupla nova-iorquina Cults, formada pelo casal Brian Oblivion e Madeline Follin. Quando lançaram seu auto-intitulado debut (em 2011), um trabalho assim-assim e que apenas oferecia o mais do mesmo produzido no cenário indie, algumas publicações musicais enxergaram algo de novo em sua estréia, e alçaram a dupla no calendário volátil e frenético do hyppe musical. Na verdade, esta é uma atitude típica de uma imprensa muitas vezes afeita a novidade pela novidade, sem que os escolhidos em questão apresentem algo efetivamente novo. E Não raro, esta opção do elogio pelo elogio tende mais a prejudicar do que favorecer os artistas, sobretudo pelas expectativas geradas em torno dos próximos trabalhos. Com a preocupação e insegurança natural ao processo criativo e a necessidade agora de apresentar um trabalho que fizesse juz ao status excessivo, a amizade dos integrantes do Cults foi enfim testada e nessas condições adversas a união completamente rachada.
Idealmente, esperava-se que os desentendimentos viessem acirrar também a criatividade do casal. Algo similar ao ocorrido com os rappers do Outkast, por exemplo, que espreitados num período de briga braba, gestaram o consagrador "Speakerboxxx/ The Love Below" (2003) - sintomaticamente, um albúm duplo e realizado em separado. Para o Cults, contudo, a nova centelha não aconteceu e o trabalho seguinte, 'Static' (2013), apenas confirmou a irregularidade dos bastidores num repertório em que se percebe apenas duas pessoas tocando juntas mas sem muita empolgação. A falta de diálogo pode ter contribuido na criação de canções que seguem - novamente - a mesmíssima produção eletro-rock acomodada ao padrão comum (com o agravante que agora a música não eram mais uma novidade). "Static" é, aliás, um título coerente com o trabalho, além de remeter a condição de discódia compartilhado pelos artistas no período.
Como os problemas nos bastidores nem sempre se mostram evidentes nas faixas, é preciso buscar referências além das canções para tentar compreendê-las. Daí o videoclipe do single "High Road" (a melhor música do duo) reluzir como uma fagulha depois de tanto fogo-fátuo. O video usa da mesma técnica utilizada no clipe de "Seven Nation Army" do The White Stripes - onde uma sucessão contínua de imagens mergulha o expectador num caleidoscópico túnel - porém se apropria do artifício de maneira particular. Afinal, os fragmentos de cenas adentrando umas sob as outras, e em camadas cada vez mais escuras, podem servir também de metáfora à busca infinita de duas pessoas pelas razões de tantos desentendimentos - terminando exaustas, sem respostas e com a amizade que tinham perdida para sempre. Todavia, se há uma leitura que não precisa de simbolismos é a certeza de que todos estão suscetíveis a essa realidade. Celébre ou anônimo, ninguém está isento de viver certos espetáculos decadentes na vida.
Um Pequeno Passo na Dramaturgia, Um Grande Avanço na Sociedade
- Ei, fica mais um pouco...
- Eu vou ficar o dia todo pensando em você.
- Vê se não pensa em mim quando tiver cortando a cabeça de algum peixe...
- Você tem de fazer piada de tudo?
- Acho que é o meu jeito de dizer que... você mudou a minha vida.
- Félix, eu não vivo sem você...
- Eu não vivo sem você, Carneirinho!
O que se viu a seguir, após este diálogo, não foi nada além do que naturalmente acontece entre duas pessoas que se gostam, e evidentemente manifestam seu afeto através do contato físico. Mas o singelo selinho trocado pelos personagens de Mateus Solano e Thiago Fragoso, na penúltima cena de "Amor à Vida", não era algo corriqueiro. É bem possível que passado algumas décadas este momento adquira ares inocentes, como de Vida Alves e Walter Forster no primeiro beijo na boca da TV (em 1951), ou nas bitoquinhas trocadas no cinema mudo, no início do século passado. Não deixa de ser sintomático que o primeiro beijo gay, protagonizado numa novela da Rede Globo, tenha revivido no público atual uma das emoções mais vibrantes que apenas os folhetins do tempo das nossas avós conseguiam criar - o da espera pelo beijo do mocinho na mocinha. Antes de se considerar exagerada tanta expectativa, a decisão da emissora (a maior do País) em exibir este importante e inédito desfecho reflete não apenas a imensa trajetória de luta dos homossexuais por direitos civis, entre poucas vitórias até poucos anos atrás, como também o considerável avanço na representação do gay na televisão - a anos atrelada unicamente ao caricato e risível, quando não patético e humilhante.
Com o término de "Amor à Vida" fica mais perceptível concluir que Walcyr Carrasco contextualizou o percurso do melhor personagem de sua carreira à longa trajetória dos gays na televisão. Afinal, num primeiro instante Félix foi um vilão próximo da psicopatia (ao jogar na caçamba a sobrinha recém nascida), uma figura obscura e sofrida pela rejeição do pai (envergonhado pela sexualidade dúbia do filho) e uma homem "de pegada" na cama com a mulher mas cujos trejeitos afeminados apenas "davam pinta" de suas tendências. Depois de encenar grandes dramas, como quando teve a homossexualidade enfim exposta numa briga de família, Félix foi colocado na condição de palhaço num picadeiro armado na 25 de Março. Obrigado a vestir uma fantasia - com flores de plástico na cabeça e barriga de fora à la periguete - e se apresentar com todo espalhafato ali exigido, o personagem teve a densidade de suas tragédias, e coerência dramática, banalizadas à favor da caricatura. Mas eis que depois de receber sua cota de castigo pelas maldades (para os noveleiros, brincar de ser pobre é o suficiente para regenerar o caráter de alguém) o personagem ressurgiu como protagonista de uma comédia romântica, com direito a barracos por ciúme e uma cantoralada "carneirinho, carneirão" durante uma viagem - e mais adiante, convertido num héroi com ares de santo canonizado, pode ajudar a quem antes engendrava artimanhas e inescrupulos.
Todavia, foi apartir desse ponto da estória, quando todos os clichês já tinham sido percorridos, que o autor ousou conduzir seu personagem por caminhos além do já conhecido. Despido das máscaras cômicas, trágicas, heróicas e outros adereços de artificialismo, Félix - antes conhecido como a Bicha Má - pode livrar-se da afetação insustentável que se tornara como uma Bicha Quaquá, experimentando algo mais original e especial. O público assistiu então, e com naturalidade, o vislumbre numa manhã comum de uma família chefiada por um casal gay. Afinal, nada ali era muito diferente do que acontecia na vida de milhões de casais brasileiros. A atenção requerida pelos filhos pequenos, a preocupação com a saúde debilitada do pai, o cuidado exigido no compromisso profissional: detalhes cotidianos que inseriam seus personagens (Félix e Niko) num contexto melhor condizente a realidade contemporânea do que a velhos e ultrapassados esteriótipos. O beijo filmado pelos dois homens significou, portanto, o longo e tortuoso caminho, cheio de percalços, que o gay teve de vencer até conquistar uma imagem que lhe conferisse respeito.
A importância política dessa cena é semelhante a outros momentos decisivos na teledramaturgia brasileira. Como aquele em que Regina Duarte enfrentava o marido violento e depois do divórcio se debatia em dilemas e preconceitos no oportuno seriado "Malu Mulher" (1979). "Mulher não pode ser fragilzinha, tem de ser agressiva de vez em quando, saber se defender", ensinava logo no primeiro episódio. Ou na escalação de Taís Araújo como protagonista de uma novela das 8 ("Viver a Vida", 2009) dissociando de vez a negritude do contexto de escravidão e redirecionando sua imagem a uma mulher de sucesso mas sem precisar recorrer a bandeiras raciais. Ao alinhar o gay ao conceito de uma "nova" família e mostrar o beijo entre homens como algo normal, "Amor a Vida" se tornou um marco da TV, pelo avanço sem precedentes na retratação do homossexual, e na abertura para uma melhor aceitação do homoafeto em todo País. Como bem disse Matheus Solano após a exibição da cena, este é "um pequeno passo na dramaturgia, mas um grande passo na sociedade".
- Eu vou ficar o dia todo pensando em você.
- Vê se não pensa em mim quando tiver cortando a cabeça de algum peixe...
- Você tem de fazer piada de tudo?
- Acho que é o meu jeito de dizer que... você mudou a minha vida.
- Félix, eu não vivo sem você...
- Eu não vivo sem você, Carneirinho!
O que se viu a seguir, após este diálogo, não foi nada além do que naturalmente acontece entre duas pessoas que se gostam, e evidentemente manifestam seu afeto através do contato físico. Mas o singelo selinho trocado pelos personagens de Mateus Solano e Thiago Fragoso, na penúltima cena de "Amor à Vida", não era algo corriqueiro. É bem possível que passado algumas décadas este momento adquira ares inocentes, como de Vida Alves e Walter Forster no primeiro beijo na boca da TV (em 1951), ou nas bitoquinhas trocadas no cinema mudo, no início do século passado. Não deixa de ser sintomático que o primeiro beijo gay, protagonizado numa novela da Rede Globo, tenha revivido no público atual uma das emoções mais vibrantes que apenas os folhetins do tempo das nossas avós conseguiam criar - o da espera pelo beijo do mocinho na mocinha. Antes de se considerar exagerada tanta expectativa, a decisão da emissora (a maior do País) em exibir este importante e inédito desfecho reflete não apenas a imensa trajetória de luta dos homossexuais por direitos civis, entre poucas vitórias até poucos anos atrás, como também o considerável avanço na representação do gay na televisão - a anos atrelada unicamente ao caricato e risível, quando não patético e humilhante.
Com o término de "Amor à Vida" fica mais perceptível concluir que Walcyr Carrasco contextualizou o percurso do melhor personagem de sua carreira à longa trajetória dos gays na televisão. Afinal, num primeiro instante Félix foi um vilão próximo da psicopatia (ao jogar na caçamba a sobrinha recém nascida), uma figura obscura e sofrida pela rejeição do pai (envergonhado pela sexualidade dúbia do filho) e uma homem "de pegada" na cama com a mulher mas cujos trejeitos afeminados apenas "davam pinta" de suas tendências. Depois de encenar grandes dramas, como quando teve a homossexualidade enfim exposta numa briga de família, Félix foi colocado na condição de palhaço num picadeiro armado na 25 de Março. Obrigado a vestir uma fantasia - com flores de plástico na cabeça e barriga de fora à la periguete - e se apresentar com todo espalhafato ali exigido, o personagem teve a densidade de suas tragédias, e coerência dramática, banalizadas à favor da caricatura. Mas eis que depois de receber sua cota de castigo pelas maldades (para os noveleiros, brincar de ser pobre é o suficiente para regenerar o caráter de alguém) o personagem ressurgiu como protagonista de uma comédia romântica, com direito a barracos por ciúme e uma cantoralada "carneirinho, carneirão" durante uma viagem - e mais adiante, convertido num héroi com ares de santo canonizado, pode ajudar a quem antes engendrava artimanhas e inescrupulos.
Todavia, foi apartir desse ponto da estória, quando todos os clichês já tinham sido percorridos, que o autor ousou conduzir seu personagem por caminhos além do já conhecido. Despido das máscaras cômicas, trágicas, heróicas e outros adereços de artificialismo, Félix - antes conhecido como a Bicha Má - pode livrar-se da afetação insustentável que se tornara como uma Bicha Quaquá, experimentando algo mais original e especial. O público assistiu então, e com naturalidade, o vislumbre numa manhã comum de uma família chefiada por um casal gay. Afinal, nada ali era muito diferente do que acontecia na vida de milhões de casais brasileiros. A atenção requerida pelos filhos pequenos, a preocupação com a saúde debilitada do pai, o cuidado exigido no compromisso profissional: detalhes cotidianos que inseriam seus personagens (Félix e Niko) num contexto melhor condizente a realidade contemporânea do que a velhos e ultrapassados esteriótipos. O beijo filmado pelos dois homens significou, portanto, o longo e tortuoso caminho, cheio de percalços, que o gay teve de vencer até conquistar uma imagem que lhe conferisse respeito.
A importância política dessa cena é semelhante a outros momentos decisivos na teledramaturgia brasileira. Como aquele em que Regina Duarte enfrentava o marido violento e depois do divórcio se debatia em dilemas e preconceitos no oportuno seriado "Malu Mulher" (1979). "Mulher não pode ser fragilzinha, tem de ser agressiva de vez em quando, saber se defender", ensinava logo no primeiro episódio. Ou na escalação de Taís Araújo como protagonista de uma novela das 8 ("Viver a Vida", 2009) dissociando de vez a negritude do contexto de escravidão e redirecionando sua imagem a uma mulher de sucesso mas sem precisar recorrer a bandeiras raciais. Ao alinhar o gay ao conceito de uma "nova" família e mostrar o beijo entre homens como algo normal, "Amor a Vida" se tornou um marco da TV, pelo avanço sem precedentes na retratação do homossexual, e na abertura para uma melhor aceitação do homoafeto em todo País. Como bem disse Matheus Solano após a exibição da cena, este é "um pequeno passo na dramaturgia, mas um grande passo na sociedade".
sexta-feira, 31 de janeiro de 2014
A Ingenuidade Como Decisão Política
Atualmente esquecidos do grande público, o grupo vocal Trio Esperança foi um popular conjunto na época da jovem guarda, quando o gênero viveu seus tempos áureos na segunda metade dos anos 60. Com a discografia quase integralmente fora de catálogo, o grupo sobrevive hoje das glórias do passado, realizando shows em bailões nostálgicos. E como parecem ter aposentado a idéia de lançar um material inédito, coletâneas como "Minha História", de 1994, se tornam boa oportunidade para conhecer seu trabalho.
Ainda que tivesse seu caráter "rebelde" associado ao uso de guitarras elétricas (que inspirou conhecida passeata contra o instrumento) e canções baseadas no som dançante do rock (para os conservadores da época, o grande responsável pela desestruturação familiar!), a jovem guarda consagrou grande parte de sua produção e artistas realizando elegia a ingenuidade juvenil, a sedução romântica e uma malícia que quando revista hoje parece, vejam só, careta e muito "de família".
Se nos rincões mais populares o gênero era tido como subversivo, na ala mais elitizada da sociedade, contudo, sua vertente era taxada de alienada. Com a ditadura instalada no Pais, intensificou-se o engajamento político de jovens em movimentos estudantis, além de favorecer o surgimento de artistas questionando o governo e o cerceamento da liberdade. Era natural portanto que qualquer obra que prestasse apenas a distração e entretenimento fosse severamente atacada. E talvez com razão. Ao promover os códigos de conduta padrão da época, a suposta inocência presente nas letras das canções acabavam reforçando certo moralismo hipócrita da sociedade.
Em "Minha História" o Trio Esperança oferece o doce e o amargo para o público, contrapondo o humor das preocupações juvenis com o revés dramático das questões adultas. Na simpática "A Festa do Bolinha" o grupo segue a cartilha pueril, narrando o simplório causo de certa Lulu numa festa do Bolinha, e uma desavença envolvendo um tal de Raposão. Se a letra é bobinha suas narradoras dão certa graça a estorieta, temperando com pimenta maledicente a receita habitualmente insossa do gênero.
Mas é em "Por Teu Amor" que ataques ao alheamento da realidade atribuídos ao gênero justificam tais julgamentos. Embora produzida em meio as nuvens macias do piano Fender Rhoades, a canção lança zona cinzenta no repertório habitualmente ensolarado do disco, com o relato duma mulher aprisionada pelo companheiro mas cuja imposição entende como amor. O arranjo a lá surf music acentua ironia a composição, sobretudo quando a voz feminina (que representa as mulheres da época) entoa os versos "As minhas amigas não vejo mais/ Praia somente em cartão-postal/ Sei que sofro demais, mas não faz mal/ Por que é... por teu amor". Para o machismo que ali imperava, e a ditadura era um reflexo natural dessa situação, traduzir o sentimento através da imposição era tão normal quanto tirar a liberdade de um País. Nesse sentido, a ingenuidade alienante era uma escolha bem mais política do que faz supor.
Ainda que tivesse seu caráter "rebelde" associado ao uso de guitarras elétricas (que inspirou conhecida passeata contra o instrumento) e canções baseadas no som dançante do rock (para os conservadores da época, o grande responsável pela desestruturação familiar!), a jovem guarda consagrou grande parte de sua produção e artistas realizando elegia a ingenuidade juvenil, a sedução romântica e uma malícia que quando revista hoje parece, vejam só, careta e muito "de família".
Se nos rincões mais populares o gênero era tido como subversivo, na ala mais elitizada da sociedade, contudo, sua vertente era taxada de alienada. Com a ditadura instalada no Pais, intensificou-se o engajamento político de jovens em movimentos estudantis, além de favorecer o surgimento de artistas questionando o governo e o cerceamento da liberdade. Era natural portanto que qualquer obra que prestasse apenas a distração e entretenimento fosse severamente atacada. E talvez com razão. Ao promover os códigos de conduta padrão da época, a suposta inocência presente nas letras das canções acabavam reforçando certo moralismo hipócrita da sociedade.
Em "Minha História" o Trio Esperança oferece o doce e o amargo para o público, contrapondo o humor das preocupações juvenis com o revés dramático das questões adultas. Na simpática "A Festa do Bolinha" o grupo segue a cartilha pueril, narrando o simplório causo de certa Lulu numa festa do Bolinha, e uma desavença envolvendo um tal de Raposão. Se a letra é bobinha suas narradoras dão certa graça a estorieta, temperando com pimenta maledicente a receita habitualmente insossa do gênero.
Mas é em "Por Teu Amor" que ataques ao alheamento da realidade atribuídos ao gênero justificam tais julgamentos. Embora produzida em meio as nuvens macias do piano Fender Rhoades, a canção lança zona cinzenta no repertório habitualmente ensolarado do disco, com o relato duma mulher aprisionada pelo companheiro mas cuja imposição entende como amor. O arranjo a lá surf music acentua ironia a composição, sobretudo quando a voz feminina (que representa as mulheres da época) entoa os versos "As minhas amigas não vejo mais/ Praia somente em cartão-postal/ Sei que sofro demais, mas não faz mal/ Por que é... por teu amor". Para o machismo que ali imperava, e a ditadura era um reflexo natural dessa situação, traduzir o sentimento através da imposição era tão normal quanto tirar a liberdade de um País. Nesse sentido, a ingenuidade alienante era uma escolha bem mais política do que faz supor.
terça-feira, 14 de janeiro de 2014
Dias Quentes de um Novo Sentimento
Quando lançou seu segundo disco, 'Condom Black' (2001), o pernambucano Otto surpreendeu àqueles que criaram reservas quanto sua estréia - o elogiado 'Samba Pra Burro' (1999). Em meados dos anos 2000 a palavra de ordem era misturar todo gênero à música eletrônica. Esta tendência não demorou a chegar no Brasil, e solicitar fusões com estilos profundamente nacionais, como o samba e a bossa nova. Em que pese o fator novidade essas experimentações carregavam certo ranço, como se a tradição precisasse agora do aval moderno para soar valorizado. 'Samba Pra Burro' era trabalho que não redundava pasteurizado ou mero samba para gringo (tentar) dançar, como boa parte da turma que chafurdou clássicos da MPB em drum 'n' bass, mas seu interesse maior ocorria quando as batidas eletrônicas davam espaço a bases climáticas e certa psicódelia, contextualizando inclusive a própria poética do compositor (confusa e viajandona).
Resultado de pesquisas com tradições musicais, populares e religiosas, 'Condom Black' representa mudança (e tanto) no registro do artista. No disco, Otto troca os beats pela texturas da lounge music e incorpora ao instrumental uma musicalidade encorpada e orgânica, que mistura batuques de samba e as batidas percussivas do candomblé. O resultado é uma sonoridade ora hipnótica ora vibrante, e que mesmo embebida da simbologia dos orixás contagia independente da fé de quem escuta. Parte nos méritos do excelente trabalho deve ser creditado também ao produtor Apollo 9 que ajuda construir um repertório coeso, onde as canções somam à favor do conjunto e, ainda assim, têm seus valores individuais. E o albúm oferece ótimos destaques.
Caso da saborosa salsa 'Cuba', rica dos sons da ilha de Fidel Castro, e onde Chorão (Charlie Brown Jr.) rende boa participação. A balada 'Por Que' contrasta a suavidade melódica com o peso da palavra, nos doídos versos 'Por que você me quer assim/ triste e traiçoeiro'. A letra de 'Retratista' gira em torno de impressões confusas, criando um mosaico emocional estranho, mas cuja ambiência flutuante reforça com coerência seu caráter enigmático. 'Dilata' faz humor com trocadilhos, nos versos 'Dilata mulata seus olhos dilata/ Só não me delete do seu coração', mas deixa de lado as brincadeiras quanto aos arranjos, urdindo envolvente mistura de percussão e instrumentos de sopro.
E tem ainda a maravilhosa 'Dias de Janeiro', com sua analogia do início da paixão e a estação mais quente do ano. 'Dias de Janeiro, calor demais/ Dias de Janeiro, olha como faz/ Esquentam, é tão bom estar no mar', principia a canção. Mas assim como o rumor incerto do tempo (que converte um céu ensolarado de nuvens à descargas escuras de um temporal) a evolução do sentimento é inconstante, submerso tanto no movimento aprazível das águas quanto na correnteza inquieta do mar. Daí sua segunda metade refletir os versos 'Amo você, amo você/ Talvez não seja o certo/ Amo você demais'. É da inquietude instigante do sentimento (que causa tanto insegurança quanto desejo deliberado de ser experimentado), além dos vocais valorosos da (boa) cantora Luciana Mello, que a faixa depura seu brilho, se tornando enfim belíssimo cartão de visitas do disco, além de evidente convite para curtir os dias quentes do verão (e, quem sabe, vivendo um novo amor).
Resultado de pesquisas com tradições musicais, populares e religiosas, 'Condom Black' representa mudança (e tanto) no registro do artista. No disco, Otto troca os beats pela texturas da lounge music e incorpora ao instrumental uma musicalidade encorpada e orgânica, que mistura batuques de samba e as batidas percussivas do candomblé. O resultado é uma sonoridade ora hipnótica ora vibrante, e que mesmo embebida da simbologia dos orixás contagia independente da fé de quem escuta. Parte nos méritos do excelente trabalho deve ser creditado também ao produtor Apollo 9 que ajuda construir um repertório coeso, onde as canções somam à favor do conjunto e, ainda assim, têm seus valores individuais. E o albúm oferece ótimos destaques.
Caso da saborosa salsa 'Cuba', rica dos sons da ilha de Fidel Castro, e onde Chorão (Charlie Brown Jr.) rende boa participação. A balada 'Por Que' contrasta a suavidade melódica com o peso da palavra, nos doídos versos 'Por que você me quer assim/ triste e traiçoeiro'. A letra de 'Retratista' gira em torno de impressões confusas, criando um mosaico emocional estranho, mas cuja ambiência flutuante reforça com coerência seu caráter enigmático. 'Dilata' faz humor com trocadilhos, nos versos 'Dilata mulata seus olhos dilata/ Só não me delete do seu coração', mas deixa de lado as brincadeiras quanto aos arranjos, urdindo envolvente mistura de percussão e instrumentos de sopro.
E tem ainda a maravilhosa 'Dias de Janeiro', com sua analogia do início da paixão e a estação mais quente do ano. 'Dias de Janeiro, calor demais/ Dias de Janeiro, olha como faz/ Esquentam, é tão bom estar no mar', principia a canção. Mas assim como o rumor incerto do tempo (que converte um céu ensolarado de nuvens à descargas escuras de um temporal) a evolução do sentimento é inconstante, submerso tanto no movimento aprazível das águas quanto na correnteza inquieta do mar. Daí sua segunda metade refletir os versos 'Amo você, amo você/ Talvez não seja o certo/ Amo você demais'. É da inquietude instigante do sentimento (que causa tanto insegurança quanto desejo deliberado de ser experimentado), além dos vocais valorosos da (boa) cantora Luciana Mello, que a faixa depura seu brilho, se tornando enfim belíssimo cartão de visitas do disco, além de evidente convite para curtir os dias quentes do verão (e, quem sabe, vivendo um novo amor).
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